Virginie

Étiquette : expression

  • Formes de l’invisible

    Formes de l’invisible

    Tarifs_ Virginie GérômeTélécharger

    Rendre visible ce qui se passe à l’intérieur.

    À travers ces quatre œuvres, les pensées, les émotions et les tensions intérieures prennent forme. Les visages, les regards et les silhouettes deviennent les points de départ d’un langage fait de lignes, de mouvements et de couleurs intenses.

    Entre geste spontané et univers numérique, chaque image transforme l’invisible en matière visible : une pensée qui déborde, une émotion qui s’étend, une identité qui cherche sa place. « Entre papier et écran » explore ainsi cet espace où l’intérieur devient image.

    L’Élan contrarié 

    Cette œuvre met en scène une opposition très forte entre deux mouvements colorés. Dans la partie supérieure, le vert jaillit en longues lignes nerveuses et foisonnantes, comme une végétation en pleine expansion. Au centre, une figure circulaire souriante semble émerger de cette masse, portée par une énergie collective. À l’inverse, la partie inférieure est dominée par un rose fluorescent qui se déploie en formes plus larges, presque ailées, autour d’un personnage central au visage fermé. Une multitude de petites silhouettes noires peuple l’arrière-plan, créant l’impression d’une foule, d’un environnement social ou d’un monde qui observe. Le dessin conserve volontairement la spontanéité du geste : lignes rapides, superpositions, contours irréguliers et silhouettes élémentaires. Cette apparente simplicité rappelle le dessin instinctif réalisé sur papier, tandis que la saturation extrême du bleu, du vert et du rose renvoie directement à l’univers numérique et à la lumière de l’écran. Dans « Entre papier et écran », l’œuvre devient ainsi un espace de confrontation entre le geste manuel et la couleur numérique, entre l’individu et le groupe, entre expansion et enfermement. Les tracés débordent, s’entrecroisent et occupent presque toute la surface, comme si les émotions refusaient de rester contenues à l'intérieur du cadre.
    Cette œuvre met en scène une opposition très forte entre deux mouvements colorés. Dans la partie supérieure, le vert jaillit en longues lignes nerveuses et foisonnantes, comme une végétation en pleine expansion. Au centre, une figure circulaire souriante semble émerger de cette masse, portée par une énergie collective.

    À l’inverse, la partie inférieure est dominée par un rose fluorescent qui se déploie en formes plus larges, presque ailées, autour d’un personnage central au visage fermé. Une multitude de petites silhouettes noires peuple l’arrière-plan, créant l’impression d’une foule, d’un environnement social ou d’un monde qui observe.

    Le dessin conserve volontairement la spontanéité du geste : lignes rapides, superpositions, contours irréguliers et silhouettes élémentaires. Cette apparente simplicité rappelle le dessin instinctif réalisé sur papier, tandis que la saturation extrême du bleu, du vert et du rose renvoie directement à l’univers numérique et à la lumière de l’écran.

    Dans « Entre papier et écran », l’œuvre devient ainsi un espace de confrontation entre le geste manuel et la couleur numérique, entre l’individu et le groupe, entre expansion et enfermement. Les tracés débordent, s’entrecroisent et occupent presque toute la surface, comme si les émotions refusaient de rester contenues à l’intérieur du cadre.

    La Chevelure sauvage

    Cette œuvre déploie une présence à la fois douce, étrange et vibrante. Le visage, simplifié mais expressif, capte immédiatement le regard avec ses grands yeux ouverts et son léger sourire, tandis que la chevelure, immense et foisonnante, envahit presque tout l’espace de l’image. Les lignes noires, épaisses et poudreuses, créent un mouvement organique, comme si les cheveux devenaient matière vivante, végétale ou presque animale. Le fond vert fluorescent intensifie cette sensation d’énergie brute. Il donne à l’ensemble une dimension électrique, presque numérique, qui contraste avec le geste très libre et instinctif du tracé. L’œuvre oscille ainsi entre portrait et apparition, entre figure familière et créature imaginaire. On y perçoit une forme de liberté, de débordement, mais aussi une identité qui se construit dans l’excès, la texture et le mouvement. L’image dégage une force spontanée, presque primitive, tout en conservant une vraie tendresse dans l’expression du personnage. Elle évoque à la fois l’enfance, l’imaginaire et une énergie intérieure qui refuse d’être contenue.
    Cette œuvre déploie une présence à la fois douce, étrange et vibrante. Le visage, simplifié mais expressif, capte immédiatement le regard avec ses grands yeux ouverts et son léger sourire, tandis que la chevelure, immense et foisonnante, envahit presque tout l’espace de l’image. Les lignes noires, épaisses et poudreuses, créent un mouvement organique, comme si les cheveux devenaient matière vivante, végétale ou presque animale.

    Le fond vert fluorescent intensifie cette sensation d’énergie brute. Il donne à l’ensemble une dimension électrique, presque numérique, qui contraste avec le geste très libre et instinctif du tracé. L’œuvre oscille ainsi entre portrait et apparition, entre figure familière et créature imaginaire. On y perçoit une forme de liberté, de débordement, mais aussi une identité qui se construit dans l’excès, la texture et le mouvement.

    L’image dégage une force spontanée, presque primitive, tout en conservant une vraie tendresse dans l’expression du personnage. Elle évoque à la fois l’enfance, l’imaginaire et une énergie intérieure qui refuse d’être contenue.

    Sourire sous tension

    Cette œuvre se construit comme un visage éclaté en signes colorés, où les éléments du portrait semblent flotter dans l’espace plutôt que se fixer dans une forme réaliste. Les yeux, les sourcils et la bouche sont dissociés, presque autonomes, tandis qu’une longue masse centrale descend comme une chevelure, un voile ou une coulée d’énergie. Le dessin joue sur une simplification extrême des formes, mais cette apparente naïveté est contrebalancée par une composition très affirmée. La palette est vive, presque électrique : le jaune du fond agit comme un champ lumineux sur lequel le rose, le vert et le bleu vibrent avec intensité. Les traits répétés donnent une impression de mouvement, de pulsation, comme si le visage était traversé par une énergie intérieure débordante. La bouche, très présente avec sa grille blanche, attire particulièrement le regard et introduit une tension entre sourire, masque et enfermement. L’image oscille ainsi entre joie visuelle et étrangeté expressive. Elle évoque un personnage pop, instinctif, presque totémique, qui existe à la frontière du dessin enfantin, de l’art brut et d’une sensibilité numérique très contemporaine. C’est une figure qui semble autant se révéler que se dissimuler derrière l’explosion de ses propres couleurs.
    Cette œuvre se construit comme un visage éclaté en signes colorés, où les éléments du portrait semblent flotter dans l’espace plutôt que se fixer dans une forme réaliste. Les yeux, les sourcils et la bouche sont dissociés, presque autonomes, tandis qu’une longue masse centrale descend comme une chevelure, un voile ou une coulée d’énergie. Le dessin joue sur une simplification extrême des formes, mais cette apparente naïveté est contrebalancée par une composition très affirmée.

    La palette est vive, presque électrique : le jaune du fond agit comme un champ lumineux sur lequel le rose, le vert et le bleu vibrent avec intensité. Les traits répétés donnent une impression de mouvement, de pulsation, comme si le visage était traversé par une énergie intérieure débordante. La bouche, très présente avec sa grille blanche, attire particulièrement le regard et introduit une tension entre sourire, masque et enfermement.

    L’image oscille ainsi entre joie visuelle et étrangeté expressive. Elle évoque un personnage pop, instinctif, presque totémique, qui existe à la frontière du dessin enfantin, de l’art brut et d’une sensibilité numérique très contemporaine. C’est une figure qui semble autant se révéler que se dissimuler derrière l’explosion de ses propres couleurs.

    Cogitation

    Cette œuvre place le regard au centre d’un paysage intérieur. Deux grands yeux occupent la partie inférieure de l’image, tandis qu’au-dessus d’eux se déploie une masse rose foisonnante, semblable à un nuage de pensées, une chevelure mentale ou une explosion d’idées. Au cœur de cette effervescence apparaît une forme ovale rayée de vert, de rose, de bleu et de noir. Elle agit comme un noyau, une pensée centrale autour de laquelle tout semble graviter. Le contraste entre cette forme structurée et le mouvement désordonné des touches roses crée une tension entre organisation et débordement, réflexion et agitation. La palette très vive — jaune lumineux, rose fluorescent, vert acide et bleu profond — donne à l’ensemble une énergie presque électrique. Le dessin conserve pourtant une grande spontanéité : contours irréguliers, gestes visibles et répétitions de formes rappellent le tracé manuel, tandis que l’intensité chromatique évoque immédiatement l’univers numérique. L’œuvre peut ainsi être lue comme une représentation de la pensée en mouvement : une accumulation d’idées, d’émotions et de sensations qui se construit au-dessus du regard. Elle transforme l’activité mentale en matière visible, dense et colorée, quelque part entre rêverie, concentration et saturation.
    Cette œuvre place le regard au centre d’un paysage intérieur. Deux grands yeux occupent la partie inférieure de l’image, tandis qu’au-dessus d’eux se déploie une masse rose foisonnante, semblable à un nuage de pensées, une chevelure mentale ou une explosion d’idées.

    Au cœur de cette effervescence apparaît une forme ovale rayée de vert, de rose, de bleu et de noir. Elle agit comme un noyau, une pensée centrale autour de laquelle tout semble graviter. Le contraste entre cette forme structurée et le mouvement désordonné des touches roses crée une tension entre organisation et débordement, réflexion et agitation.

    La palette très vive — jaune lumineux, rose fluorescent, vert acide et bleu profond — donne à l’ensemble une énergie presque électrique. Le dessin conserve pourtant une grande spontanéité : contours irréguliers, gestes visibles et répétitions de formes rappellent le tracé manuel, tandis que l’intensité chromatique évoque immédiatement l’univers numérique.

    L’œuvre peut ainsi être lue comme une représentation de la pensée en mouvement : une accumulation d’idées, d’émotions et de sensations qui se construit au-dessus du regard. Elle transforme l’activité mentale en matière visible, dense et colorée, quelque part entre rêverie, concentration et saturation.
  • Singularités visibles

    Singularités visibles

    Tarifs_ Virginie GérômeTélécharger

    Singularités visibles explore la transformation du réel comme moyen de révéler ce qui échappe au premier regard.

    À travers des figures, des animaux et des créatures métamorphosés par la couleur, les formes et le décalage, chaque œuvre donne une présence à une émotion, une pensée ou une manière singulière d’habiter le monde.

    Ici, la différence ne se dissimule pas : elle devient matière, couleur et langage.

    Punk sauvage

    Sur un fond rose éclatant, le zèbre quitte l’imaginaire sauvage pour devenir une véritable figure de caractère. Lunettes de soleil, crête multicolore et tenue contemporaine composent un portrait à la fois insolent, élégant et décalé. Les rayures naturelles de l’animal rencontrent ici une explosion de rose, de violet et de rouge. Ce contraste transforme son pelage en matière graphique, presque pop, tandis que sa crinière évoque une énergie punk, libre et impossible à contenir. L’œuvre joue ainsi avec les codes du portrait et de la représentation animale. Le zèbre n’est plus seulement observé : il semble affirmer une présence, une personnalité et une manière d’exister qui lui sont propres. Les lunettes accentuent cette impression en introduisant une distance avec le regard extérieur, comme si le personnage choisissait lui-même ce qu’il accepte de montrer. Punk sauvage devient alors un portrait de la singularité : une figure qui assume ses contrastes, détourne les apparences et transforme ce qui la distingue en langage visuel. Entre photographie transformée, illustration et esthétique pop contemporaine, l’œuvre célèbre une identité qui ne cherche ni à se fondre dans le décor ni à se conformer au regard des autres.
    Sur un fond rose éclatant, le zèbre quitte l’imaginaire sauvage pour devenir une véritable figure de caractère. Lunettes de soleil, crête multicolore et tenue contemporaine composent un portrait à la fois insolent, élégant et décalé.

    Les rayures naturelles de l’animal rencontrent ici une explosion de rose, de violet et de rouge. Ce contraste transforme son pelage en matière graphique, presque pop, tandis que sa crinière évoque une énergie punk, libre et impossible à contenir.

    L’œuvre joue ainsi avec les codes du portrait et de la représentation animale. Le zèbre n’est plus seulement observé : il semble affirmer une présence, une personnalité et une manière d’exister qui lui sont propres. Les lunettes accentuent cette impression en introduisant une distance avec le regard extérieur, comme si le personnage choisissait lui-même ce qu’il accepte de montrer.

    Punk sauvage devient alors un portrait de la singularité : une figure qui assume ses contrastes, détourne les apparences et transforme ce qui la distingue en langage visuel.

    Entre photographie transformée, illustration et esthétique pop contemporaine, l’œuvre célèbre une identité qui ne cherche ni à se fondre dans le décor ni à se conformer au regard des autres.

    Architecture intérieure

    Les yeux fermés, le visage semble suspendu dans un instant de calme, tandis qu’au-dessus de lui s’élève une architecture foisonnante faite de volumes, de couleurs et de fragments imbriqués. Cette construction évoque un paysage mental : un espace intérieur complexe, vivant, parfois difficile à ordonner. Les formes s’empilent, se croisent et se prolongent comme autant de pensées, de souvenirs, d’émotions ou de perceptions qui cherchent leur place. Le contraste entre la sérénité du visage et l’explosion chromatique qui le surplombe crée une tension particulière. À l’extérieur, tout paraît immobile ; à l’intérieur, au contraire, tout semble en mouvement. Les jaunes, roses, bleus, verts et oranges transforment cette activité mentale en une matière presque architecturale. Architecture intérieure donne ainsi une forme visible à ce qui ne l’est habituellement pas. L’œuvre ne représente pas simplement un visage, mais l’espace qui existe derrière lui : un territoire intime fait d’accumulations, de connexions, de désordre et de construction permanente. Entre portrait, abstraction et imaginaire urbain, elle évoque la richesse d’un monde intérieur qui ne peut être résumé à ce que le regard extérieur en perçoit.
    Les yeux fermés, le visage semble suspendu dans un instant de calme, tandis qu’au-dessus de lui s’élève une architecture foisonnante faite de volumes, de couleurs et de fragments imbriqués.

    Cette construction évoque un paysage mental : un espace intérieur complexe, vivant, parfois difficile à ordonner. Les formes s’empilent, se croisent et se prolongent comme autant de pensées, de souvenirs, d’émotions ou de perceptions qui cherchent leur place.

    Le contraste entre la sérénité du visage et l’explosion chromatique qui le surplombe crée une tension particulière. À l’extérieur, tout paraît immobile ; à l’intérieur, au contraire, tout semble en mouvement. Les jaunes, roses, bleus, verts et oranges transforment cette activité mentale en une matière presque architecturale.

    Architecture intérieure donne ainsi une forme visible à ce qui ne l’est habituellement pas. L’œuvre ne représente pas simplement un visage, mais l’espace qui existe derrière lui : un territoire intime fait d’accumulations, de connexions, de désordre et de construction permanente.

    Entre portrait, abstraction et imaginaire urbain, elle évoque la richesse d’un monde intérieur qui ne peut être résumé à ce que le regard extérieur en perçoit.

    Avec amour

    Sur un fond violet presque uniforme, une main dressée impose immédiatement son geste. Le symbole est frontal, provocateur, impossible à contourner. Pourtant, l’inscription « Avec Amour :-) » vient introduire un décalage presque absurde entre la violence du signe et la douceur affichée des mots. L’œuvre repose précisément sur cette contradiction. Elle transforme une insulte en formule de politesse, la colère en message graphique, et l’agressivité en humour acide. Le titre inscrit en haut de l’image, « Dédié à tout les connards », assume cette confrontation sans détour : il ne cherche ni l’élégance ni la conciliation, mais une forme de libération par l’ironie. Les aplats de violet, de bleu, de rouge et de blanc éloignent la scène du réalisme pour la rapprocher de l’affiche, du graffiti et du pop art. La silhouette simplifiée devient presque un pictogramme, tandis que les couleurs vives désamorcent partiellement la brutalité du geste. Avec amour joue ainsi sur deux registres opposés : l’exaspération et la tendresse, l’insulte et la courtoisie, le rejet et l’humour. Derrière son apparente insolence, l’œuvre parle aussi de cette nécessité parfois très humaine de dire ce que l’on retient habituellement. Une manière de remettre la colère à sa place, de la rendre visible, puis de l’envoyer au monde avec un sourire volontairement ambigu.
    Sur un fond violet presque uniforme, une main dressée impose immédiatement son geste. Le symbole est frontal, provocateur, impossible à contourner. Pourtant, l’inscription « Avec Amour 🙂 » vient introduire un décalage presque absurde entre la violence du signe et la douceur affichée des mots.

    L’œuvre repose précisément sur cette contradiction. Elle transforme une insulte en formule de politesse, la colère en message graphique, et l’agressivité en humour acide. Le titre inscrit en haut de l’image, « Dédié à tout les connards », assume cette confrontation sans détour : il ne cherche ni l’élégance ni la conciliation, mais une forme de libération par l’ironie.

    Les aplats de violet, de bleu, de rouge et de blanc éloignent la scène du réalisme pour la rapprocher de l’affiche, du graffiti et du pop art. La silhouette simplifiée devient presque un pictogramme, tandis que les couleurs vives désamorcent partiellement la brutalité du geste.

    Avec amour joue ainsi sur deux registres opposés : l’exaspération et la tendresse, l’insulte et la courtoisie, le rejet et l’humour. Derrière son apparente insolence, l’œuvre parle aussi de cette nécessité parfois très humaine de dire ce que l’on retient habituellement.

    Une manière de remettre la colère à sa place, de la rendre visible, puis de l’envoyer au monde avec un sourire volontairement ambigu.

    La créature aux mille couleurs

    À la frontière entre le félin, la créature fantastique et le personnage de conte, cette figure semble surgir d’un univers où les couleurs ont remplacé les règles du réel. Son corps couvert de mèches roses, bleues, jaunes, vertes et blanches compose une véritable matière vivante. Chaque couleur semble posséder son propre rythme, comme si l’animal portait sur lui plusieurs émotions, plusieurs identités et plusieurs mondes à la fois. Le visage, plus calme, contraste avec cette profusion. Les grands yeux dorés et le sourire presque énigmatique lui donnent une présence singulière : douce, malicieuse et légèrement mystérieuse. Il ne semble ni sauvage ni domestique, mais appartenir à un territoire qui lui serait propre. La créature aux mille couleurs joue ainsi avec l’idée de différence sans chercher à la corriger ni à l’expliquer. Sa richesse vient précisément de cette accumulation de formes, de textures et de teintes qui refusent l’uniformité. Sous son apparence ludique et lumineuse, l’œuvre évoque une liberté essentielle : celle d’exister dans toutes ses nuances, sans avoir à choisir une seule couleur pour se définir.
    À la frontière entre le félin, la créature fantastique et le personnage de conte, cette figure semble surgir d’un univers où les couleurs ont remplacé les règles du réel.

    Son corps couvert de mèches roses, bleues, jaunes, vertes et blanches compose une véritable matière vivante. Chaque couleur semble posséder son propre rythme, comme si l’animal portait sur lui plusieurs émotions, plusieurs identités et plusieurs mondes à la fois.

    Le visage, plus calme, contraste avec cette profusion. Les grands yeux dorés et le sourire presque énigmatique lui donnent une présence singulière : douce, malicieuse et légèrement mystérieuse. Il ne semble ni sauvage ni domestique, mais appartenir à un territoire qui lui serait propre.

    La créature aux mille couleurs joue ainsi avec l’idée de différence sans chercher à la corriger ni à l’expliquer. Sa richesse vient précisément de cette accumulation de formes, de textures et de teintes qui refusent l’uniformité.

    Sous son apparence ludique et lumineuse, l’œuvre évoque une liberté essentielle : celle d’exister dans toutes ses nuances, sans avoir à choisir une seule couleur pour se définir.

    Lumière indocile

    Cette créature féline semble née d’un mélange de douceur, de couleur et d’imaginaire. Son pelage se déploie comme une matière lumineuse où se rencontrent le rose, le jaune, le bleu, le vert, l’orange et le violet, sans qu’aucune teinte ne cherche à dominer les autres. Son visage clair et ses grands yeux brillants lui donnent une présence à la fois tendre, curieuse et légèrement mystérieuse. Le sourire discret introduit une forme de malice, comme si la créature observait le monde selon ses propres règles. La profusion des couleurs contraste avec la simplicité du fond bleu, qui laisse toute la place à cette silhouette généreuse et foisonnante. Les mèches superposées créent un mouvement continu, presque vivant, donnant l’impression que la couleur circule à travers son corps. Lumière indocile évoque ainsi une identité qui refuse l’uniformité. Ici, la différence n’est ni dissimulée ni expliquée : elle devient matière, énergie et présence. Sous son apparence joyeuse et presque enfantine, l’œuvre célèbre la liberté d’être multiple, changeant et impossible à réduire à une seule couleur.
    Cette créature féline semble née d’un mélange de douceur, de couleur et d’imaginaire. Son pelage se déploie comme une matière lumineuse où se rencontrent le rose, le jaune, le bleu, le vert, l’orange et le violet, sans qu’aucune teinte ne cherche à dominer les autres.

    Son visage clair et ses grands yeux brillants lui donnent une présence à la fois tendre, curieuse et légèrement mystérieuse. Le sourire discret introduit une forme de malice, comme si la créature observait le monde selon ses propres règles.

    La profusion des couleurs contraste avec la simplicité du fond bleu, qui laisse toute la place à cette silhouette généreuse et foisonnante. Les mèches superposées créent un mouvement continu, presque vivant, donnant l’impression que la couleur circule à travers son corps.

    Lumière indocile évoque ainsi une identité qui refuse l’uniformité. Ici, la différence n’est ni dissimulée ni expliquée : elle devient matière, énergie et présence.

    Sous son apparence joyeuse et presque enfantine, l’œuvre célèbre la liberté d’être multiple, changeant et impossible à réduire à une seule couleur.